All Melody presenta: Los 20 Álbumes del 2020

En un año donde todo parece perdido, la música ha sido parte de la salvación

A estas alturas, podría parecer un lugar común hacer hincapié en lo terrible que este inicio de década ha sido para el mundo gracias a la crisis generada por la pandemia del coronavirus.

Además de las miles de pérdidas humanas, la catástrofe también ha afectado a distintos sectores que intervienen en la economía y el bienestar social (y emocional), entre ellos a la industria de la música, que parece estar golpeada por la inactividad y la cuantiosa pérdida de ganancias generadas por los shows en vivo. En cuanto a la distribución de la música, se sabe de la raquítica compensación obtenida mediante los servicios de streaming, pese a que estos tienden a lucrar bastante bien con la obra de los artistas; la diferencia se ve reflejada en las ganancias obtenidas por alguien con un desmedido aparato mediático detrás como Taylor Swift, Beyoncé y The Weeknd respecto a alguien de un perfil mucho más bajo y con un nivel de exposición más moderado (a veces nulo).

Quizás las actividades más “productivas” para el mundo capitalista se vieron interrumpidas; sin embargo, la música siempre estuvo ahí, adaptándose a esta “nueva normalidad” en pos de sacar al ser humano de ese vacío emocional ocasionado por el encierro y la incertidumbre generada por las presuntas consecuencias fatales de un virus que parece ocasionar daños irreversibles al organismo humano, pero que, irónicamente, se puede erradicar tan solo con agua y jabón.

¿Hay alguna luz en el camino? Aunque mínima, sí. En esta época de confinamiento, las artes han sido esa válvula de escape ante la imposibilidad de llevar a cabo actividades propias de nuestra cotidianeidad, tan básicas, pero a la vez, tan esenciales como salir a caminar, ir al cine, reunirse con los amigos, o, para quienes consumimos música en todas sus manifestaciones, el asistir a conciertos y festivales.

Sin duda, hay un antes y un después de la expansión del coronavirus por todo el mundo. Algunos proyectos continuaron con su plan de promoción trazado desde meses –o quizás años- atrás, mientras que otros tomaron inspiración en esta época de ostracismo para lanzar nueva música que, de alguna manera u otra, se convertirá en la “banda sonora” de este periodo histórico para la humanidad.

Así pues, los dejamos con una selección de los 20 materiales que, a nuestro parecer, y ajustándonos a nuestra línea editorial, han definido este año lleno de opacidad en donde la música ha sido nuestra salvación.

20. Doves – The Universal Want

El año pasado, el trío británico hizo oficial su regreso tras 10 años de ausencia en los escenarios. Los conciertos de “reunión” (aunque nunca hubo un anuncio formal de separación) mostraron a la banda en forma como en sus mejores años . Posteriormente, con el anuncio de su quinto álbum de estudio, The Universal Want, vino una prueba de fuego aun mayor, pues hacer un comeback con material nuevo siempre implica un riesgo. Sin embargo, Doves no sólo salieron bien librados, sino que daban la impresión de nunca haberse ido.

El primer sencillo, “Carousels” sorprendió a todos con ese sample del legendario Tony Allen (fallecido este año) como base. Otros cortes como “Cathedrals of The Mind”, “Broken Eyes” y “Prisoners”  nos recuerdan cuánta faltan nos hacía tener a Doves de vuelta. Y, aunque su regreso discográfico se ha dado en un año caótico, éste ha sido recibido con los brazos abiertos.

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19. Gorillaz – Song Machine Chapter One: Strange Timez

El grupo animado de Damon Albarn dio mucho de qué hablar este año gracias a su nueva y ambiciosa entrega titulada, ‘Song Machine Chapter One: Strange Timez’, el cual es otro intento por hacer un álbum cargado de featurings, pero que, a diferencia de su fallido ‘Humanz’ (2017), éste esfuerzo tuvo un mejor resultado.

Cuando se reveló el elenco all star que participaría en este ‘Song Machine’, una enorme expectativa empezó a generarse, debido a la impactante lista multi generacional de invitados que acompañaron a Damon Albarn en este nuevo proyecto. Desde los institucionales Elton John y Tonny Allen (q.e.p.d.) pasando por  Peter Hook, Beck y Robert Smith (The Cure) hasta llegar a St. Vincent , Unknown Mortal Orchestra y slowthai, había muchas razones para esperar algo épico.

Si bien, ‘Song Machine’ no fue un trabajo que alcanzara la perfección,  sí podemos afirmar que el álbum cumplió con las expectativas gracias a la variedad de estilos que en él abundan, así como la compenetración entre Gorillaz y sus invitados, consiguiendo momentos memorables como “Aries” (con el inconfundible bajo de Peter Hook y Georgia en las percusiones), “The Pink Phantom” (con Elton John y ese piano a la “Benny & The Jets”), la brillante “Desolé” (con Fatoumata Diawara) y “The Valley of the Pagans” (y Beck haciéndose presente).

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18. Caribou – Suddenly

Tuvieron que pasar seis años desde que Caribou lanzó el genial Our Love (2014), con el que Dan Snaith logró consolidarse como una de las figuras fundamentales del pop electrónico de los últimos veinte años.

Con esta nueva entrega titulada ‘Suddenly’, Snaith no defrauda en lo absoluto; al contrario, el músico canadiense sigue en forma y con la vena creativa casi intacta que lo ha llevado a meterse en un territorio sonoro más orientado al neo soul y menos cargado de loops, claros ejemplos de esto son la inicial “Sister” y “Home”.

Por ahí también hay reminiscencias de R&B y hip hop en “New Jade” y una tirada más pop en la encantadora “You and I”. Y, si bien, éste no es un álbum realmente enfocado en la música club, tampoco quiere decir que no haya canciones ad hoc para la pista de baile; es en ese apartado donde entran “Lime”, “Ravi” y ese irresistible tema que es “Never Come Back”, el track más destacado del álbum.

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17. HAIM – Women in Music PT. III

Las hermanas HAIM ya habían dado algunas muestras de la ruta sonora plasmada en Women in Music PT. III’. Primero con el maravilloso sencillo “Summer Girls” (lanzado el año pasado e incluido ahora como bonus track), con el que trío norteamericano daba la impresión de mostrar un sonido más maduro, pero sobre todo, más sofisticado.

En esta nueva entrega de (que cuenta con la participación de Rostam Batmanglij) podemos encontrar una diversidad de estilos como el R&B en “3AM” y “Gasoline”, pasando por el tinte jazz de “Los Angeles” y el saxofón como protagonista, hasta llegar al lado pop más conocido de HAIM en “The Steps”, “Don’t Wanna” y “Leaning On You”. Mientras que en “All That Ever Mattered”, las hermanas alcanzan el momento más experimental del álbum.

Sin temor a equivocarnos, podríamos afirmar que ‘Women in Music PT. III’ es el mejor álbum de HAIM a la fecha, o cuando menos, el que mejor ha proyectado sus capacidades como músicos.

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16. The Microphones – Microphones in 2020

De manera inesperada, Phil Elverum regresó bajo el alias de The Microphones, ese proyecto de culto que ha ganado muchos fans en estos últimos 20 años gracias a su laureado ‘The Glow Pt. 2’ (2001).

La nueva entrega de Elverum, ‘Microphones in 2020’, consiste únicamente en un track de 45 minutos en los que el músico norteamericano hace una introspectiva de su arte, sus épocas de juventud como músico y todas las experiencias que ha vivido desde entonces. El tema transcurre con tan solo dos acordes sobre los que recaen algunos momentos de experimentación como en sus primeros años.

Con todas las expectativas y dudas que siempre genera un comeback de esta magnitud, ‘Microphones in 2020’ justifica plenamente la decisión de Phil Elverum de revivir su proyecto mater con esta belleza sonora de tres cuartos de hora de duración. Pareciera como si los años no hubiesen pasado por The Microphones, y aunque este nuevo material nos remite a sus épocas de antaño, está muy lejos de sonar estancado.

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15. Lianne La Havas – Lianne La Havas

La cantante británica publicó este año su tercer material de estudio, ‘Lianne La Havas’, producido por ella en su totalidad, en el cual logra diseccionar una ruptura amorosa de una manera más profunda a través de los 11 tracks que transcurren por los caminos del pop, el alternativo, el neo soul y el rythm & blues.

En la inicial “Bittwersweet”, la intérprete advierte sobre el fin de una relación “Por favor, deja  de preguntar ‘¿aún me amas?’/ No tengo mucho que decir, hablemos en la mañana”. Otros temas a destacar son “Can’t Fight”, “Paper Thin” y “Seven Times”, en donde Lianne La Havas da muestra de sus dotes como cantante, compositora y guitarrista.

No podíamos dejar de mencionar el afortunado cover a “Weird Fishes” de Radiohead, canción que ya había interpretado en sus sets en vivo desde hace tiempo. Y hablando del quinteto de Oxford, su influencia también puede percibirse en “Sour Time”, un inmejorable cierre de álbum en donde Lianne La Havas encuentra la catarsis motivada por el amor propio.

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14. Fiona Apple – Fetch The Bolt Cutters

A veces, el hype alrededor de un álbum resulta tan abrumador y agotador, que termina por crear dos perspectivas: convencer tanto a la audiencia como a la crítica de que el álbum en cuestión es una obra maestra, o bien, predisponer a los más escépticos respecto a su impacto real. Y este año, no cabe duda de que ‘Fetch The Bolt Cutters’ de Fiona Apple fue el centro de esta disyuntiva (sí, tal y como sucedió con ‘Norman Fuckin’ Rockwell’ de Lana del Rey el año pasado).

Los primeros en alborotar a todo el mundo fueron los siempre polémicos Pitchfork, quienes esperaron el día del lanzamiento de ‘Fetch The Bolt Cutters’ para darle una calificación de 10 (algo que no había ocurrido desde 2010), de ahí, Metacritic entró en el juego otorgándole un 100 (o sea, calificación perfecta). Pitchfork, tan convencidos de sí mismos, sentenciaron “no hay música que haya sonado como esto jamás”, como si se tratara realmente de algo que nunca hubiésemos escuchado… algo revolucionario que cambiará la historia de la música de aquí en adelante.

Al escuchar ‘Fetch The Bolt Cutters’ nos encontramos con un álbum más convencional y menos disruptivo de lo que nos prometieron (o nos quisieron vender). Pese a esto, hay varios momentos en esta nueva entrega de Fiona Apple que vale la pena destacar, empezando por la inaugural “I Want You To Love Me”, seguido de la genial “Shameika” y su telúrica figura de piano, la cual está basada en una amiga de la escuela, a quien la cantante norteamericana recuerda en el coro “Shameika dijo que tenía potencial”.

En tanto que “For Her” es otra de las joyas del álbum. Un tema de tonalidad festiva pero con un trasfondo más oscuro. Como si se tratara de un número teatral, Fiona Apple recita una de las frases más crudas en todo el álbum “Buenos Días. Me violaste en la misma cama en la que nació tu hija”.

Más allá de lo que digan Pitchfork y Metacritic, ‘Fetch The Bolt Cutters’ tiene el enorme mérito de ser un álbum alejado de las tendencias y de los recursos digitales tanto en su producción como en su distribución. El hecho de que Fiona Apple regrese tras de una ausencia de 8 años, y encima lo haga en gran forma, es totalmente plausible de su parte.

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13. Ólafur Arnalds – Some Kind of Peace

El caso del músico y productor islandés es bastante peculiar. Se sabe que éste, junto al alemán Nils Frahm, son los dos estandartes de la corriente neo clásica, que tuvo su explosión a principios de la década pasada, y que no ha dejado de captar nuevos adeptos a lo largo de los últimos 10 años.

En el caso particular de Ólafur Arnalds, su relativa popularidad ha ido en aumento (“relativa”, dado que aún dista mucho de ser objeto del deseo del mainstream… afortunadamente), por lo cual se ha involucrado con actos quizás más inmersos en la música pop (no tanto en el género, como en su distribución y alcance), como son los casos de Rhye, SHON o Simon Green (a.k.a. Bonobo), además de coquetear con corrientes como el post rock, tal y como lo hiciera en ‘re:member’ (2018), su anterior trabajo discográfico.

Esta nueva entrega, ‘Some Kind of Peace’, podría parecer la menos explosiva de Arnalds (por decirlo de algún modo), quizás porque su intención no era irse sobre lo “épico”, sino enfocarse en una sensación de paz y el intimismo mediante los arreglos de cuerdas y los pianos melancólicos a los que nos tiene acostumbrados.

Some Kind of Peace’ da inicio con “Loom”, el tema donde más peso tiene la música electrónica, gracias a la colaboración de Bonobo y las atmósferas creadas por éste. Mientras que “Woven Song” es conducida por el piano y un canto de la tribu amazonas. “Back to The Sky” es uno de los dos tracks que cuenta con vocales (por obra de la cantante islandesa, JFDR); el otro es “The Bottom Line”, un melancólico tema interpretado por Josin (no confundir con Jónsi) sobre el proceso de cambio.

El cierre está enmarcado por “We Contain Multitudes”, primer sencillo de este material, el cual, por alguna razón, nos recuerda al Talk Talk de ‘Spirit of Eden’ (1989), además de “Undone”, un corte spoken word que incluye un texto sobre la muerte recitado por la cantante Lhasa de Sela (fallecida hace 10 años). Probablemente, es aquí donde las cuerdas tienen un momento de mayor explosividad, mientras los pianos de Ólafur Arnalds son conducidos por su ya conocido sistema strato.

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12. Fontaines D.C. – A Hero’s Death.

No habían pasado ni doce meses desde que Fontaines D.C. habían sorprendido a todos con su monumental debut, ‘Dogrel’ (sí, nuestro álbum del año de 2019), y la banda irlandesa ya había empezado a hacer ruido nuevamente con los primeros adelantos de su sucesor al que han  titulado, ‘A Hero’s Death’.

Sabemos cómo suelen transcurrir estas historias donde las bandas entregan un debut destinado a la inmortalidad, y en el segundo álbum, es donde viene la decepción (ahí están los casos de Bloc Party y Clap Your Hands Say Yeah o, siendo más rigurosos, Interpol y The Stone Roses para corroborarlo). Éste no parece ser el caso de Grian Chatten y compañía, a quienes se les nota una química y un estado de ánimo inquebrantables.

Podría sonar prematuro decirlo, pero da la impresión de que Fontaines D.C. han logrado la madurez en un tiempo demasiado corto. ´Con ‘Dogrel’ quedaba la duda de cuál sería el rumbo que tomarían después de haber llegado tan lejos. La respuesta está en temas como “A Hero’s Death”, el primer sencillo que surgió tras la necesidad de Chatten de librarse del miedo y la presión por hacer otro ‘Dogrel’. Resulta sorprendente el tono oscuro de temas como “I Don’t Belong”, “A Lucid Dream” y la contestataria “Televised Mind”, los cuales nos remiten al sonido de The Cure, Sonic Youth y al The Horrors del ‘Primary Colours’ (2009), respectivamente.

Hacia el final, nos topamos con “Sunny”, uno de los temas más bellos del álbum, en el cual queda totalmente implícita la influencia de The Beach Boys, sobre todo en la harmonía vocal a la usanza de Brian Wilson. Las comparaciones entre ‘Dogrel’ y ‘A Hero’s Death’ no faltarán; algunos se preguntarán si la llegada del segundo  no fue demasiado pronto, pero, a juzgar por el resultado, Fontaines D.C. parecen haber tomado la decisión correcta, y ahora parecen enfilados a ser un nuevo clásico.

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  1. Dua Lipa – Future Nostalgia

El segundo material de Dua Lipa nos transporta al pasado, específicamente a la década de los 80, combinando la música disco de aquella época con el electro pop del nuevo milenio. Como si la cantante británica buscara reflejar la música que ha escuchado desde su infancia (Madonna, Moloko, Prince y Outkast).

Si anteriormente ya había dado muestras de que el electro pop era plenamente lo suyo con “One Kiss” y “Electricity”, en ‘Future Nostalgia’, Dua Lipa logra consagrarse dentro de esta corriente gracias al arsenal de hits que se desprenden de dicho material.

La placa da inicio con el track del mismo nombre, cuyo matiz funk claramente remite a la “Uptown Funk” de Mark Ronson y Bruno Mars. Le sigue “Don’t Start Me Now”, que desde ya podríamos considerar un clásico instantáneo, gracias a todos los elementos que la conforman, como esa irresistible línea de bajo, el arreglo de cuerdas tan característico de la música disco. Vaya… tiene  todo el cariz del sonido studio 54, además de lo puntual del estribillo “no te aparezcas, no salgas” que se ajusta a esta época del confinamiento.

Otros temas destacados son “Break My Heart” y su línea melódica que remite muchísimo al riff de “Need You Tonight” de INXS; “Levitating”, que si bien, muestra un cambio de ritmo, mantiene una vibra funk que nos remite al ‘Random Access Memories’ de Daft Punk, y por supuesto, cabe resaltar la maravillosa “Physical”, que en su título homenajea a Olivia Newton John, y tiene una línea de sintetizador más robusta y oscura que el resto del álbum, pese a la clara reminiscencia High Energy ochentera que permea en este track.

Para nadie es un secreto que Dua Lipa había sido objeto de mucho escepticismo a raíz de su afortunado debut homónimo (Dua Lipa, 2017), y el haber colaborado con Mark Ronson y Calvin Harris. Con ‘Future Nostalgia’, la cantante británica no sólo ha despejado todas las dudas a su alrededor, sino que ha alcanzado el estatus de súper estrella con éste que es uno de los álbumes más importantes del año.

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The Flu

Educado y lindo.
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